VISORES

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Integrantes del equipo:

Muriel Velazquez

David Ibarra.

Bernadette Martínez

Liliana Villavicencio

Karla Hernández.

 Objetivo.

     Generar una serie de visores en espacios públicos en donde el espectador sea el que active la pieza por medio de la observación y el acercamiento con la misma y así pueda observar un paisaje urbano intervenido.

Desarrollo

    Nuestro proyecto consiste en realizar cuatro visores en donde  el espectador pueda ver el paisaje urbano pero modificado. Trabajaremos con el paisaje urbano,  con la expectativa, con intervenciones al mismo paisaje, uso del paisaje urbano como un terreno de juego, etc. Lo visores fueron colocados en la zona centro  y colonia La Paz  de 1 a 5 pm.

    Los integrantes del equipo construimos 4 visores de color amarillo y de madera MDF, estos visores estaban colocados sobre bases metálicas, las cajas se pintaron de negro por dentro y de amarillo o naranja por fuera, dos cajas fueron amarillas y dos cajas fueron naranjas. Cada caja en un extremo tenía dos círculos como efecto de binoculares y del otro extremo   una pantalla hecha con acrílico o vidrio, dependiendo del efecto que se quería lograr.

    Cada  visor  mostraba una imagen distinta, sin embargo todos mostraron el paisaje urbano, las cuatro imágenes de fondo contenía lo siguiente:

o   Primer visor.-  contenía un acrílico en donde  se podía ver  el paisaje urbano, sin embargo, este acrílico estaba intervenido por un dibujo, este visor se coloco en la zona centro de Puebla, en el Boulevard 5 de mayo por lo que se veía el centro de convenciones y las cúpulas de las iglesias, el dibujo era la representación de una ciudad con edificio.

o   Segundo visor.- contenía un acrílico y sobre el acrílico  había un espejo, por lo que además de ver el paisaje, veías el reflejo de tus ojos. Este visor también fue colocado en la zona centro, en el boulevard 5 de Mayo.

o   Tercer visor.-, tenía varios espejos para lograr el efecto de caleidoscopio y así el paisaje se viera fragmentado, este visor fue colocado en la colonia La Paz junto a las instalaciones de Televisa.

o   Cuarto visor.- este visor llevaba  dentro un recipiente con agua y estaba elaborado con vidrio, se coloco en la colonia La Paz junto a las instalaciones de Televisa.

   De las acciones que hicimos en el espacio público se tomó un registro, fotos y videos, así como del proceso de elaboración de los visores.

Justificación

    Este proyecto nos permitió vincularlo y justificarlo con diversos textos.

     Por un lado el situacionismo nos muestra de que manera se puede activar una pieza desde  una zona urbana como una crítica social. Estas piezas que elaboramos nos demuestran  que  como el situacionismo lo manifestaba, las infraestructuras urbanas  y el mismo medio urbano puede funcionar como un terreno de juego participativo.[1] El boulevard se ha convertido en un lugar de muy transitable, donde además pasan camiones de transporte público, taxis y carros, por lo que  encontramos una saturación  de imágenes, gente y ruido. La gente se ha hecho de una rutina por lo que muchas veces no se detiene a observar lo que le rodea. Estas piezas permiten por un lado que el transeúnte se desvincule de su actividad cotidiana por un momento breve y se asome a ver los visores.

    Quizá sea un espectador que no esté acostumbrado a ir a museos, es ahí donde el espacio cobra otro significado, y el espectador asume otro rol, es el, el que debe activar la pieza por un lado y por otro entra a un juego de relaciones y relatos.

    Para Michel De Certeau existen cuatro relaciones, el ver, el ir, el que hay algo y el organizar movimientos[2], los visores respecto al ver nos presentan una orden de lugares (los elementos se distribuyen en relaciones de coexistencia), los visores fueron colocados en lugares estratégicos, esquinas de bulevares  con mayor movimiento y en lugares con mayor calma, el espectador activa la pieza y esto mediante una seri de movimientos;  pasa caminando, ve el objeto, mediante el morbo o la curiosidad de querer saber que contiene esa caja, se regresa, se asoma y luego se retira para continuar con sus actividades, si va acompañado invita a sus compañeros a ver lo mismo que el acaba de observar. Como el texto de  De Certeau menciona, existen divisiones establecidas dentro de esta zona urbana que son los póster de luz, rejas etc, que  componen un orden en los lugares, para nosotros se nos hizo conveniente el hecho de que los visores estuvieran pintados del mismo color que señalizaciones o póster de luz o las líneas del peatón, es un color llamativo y que además  por constructo lo vinculamos  con lo urbano , los visores se distinguían fácilmente además que parecía que eran parte de estos objetos que también delimitan y  componen el lugar.

    Pero a pesar de ser un objeto que pareciera ser parte del lugar también provocaba cierto extrañamiento ya que son formas que comúnmente no encontramos  en las esquinas o en las calles, a pesar de que pasaba gente que tenía prisa pareciera que la curiosidad era mayor, es así que se detenían brevemente a ver la imagen que se  mostraba en el visor para luego continuar y entonces pareciera que como diría Durkeim[3], el tiempo es determinado hasta cierto punto por la sociedad, este se adecua a las costumbres, considero que esto es importante por que en determinado momento es el individuo el que toma decisiones y determina hasta cierto punto como es este fluir de su tiempo.

     Otro concepto con el que se trabajo fue con la “expectativa”, el espectador  como observador de imágenes espera  ver cierta imagen o espera ver algo que desconoce, las imágenes que trabajamos fueron sencillas pero salen de lo que el espectador espera ver, se jugó  un poco más con el elemento de la óptica y como es que el paisaje urbano puede transformarse y crear nuevas formas, o como partiendo de la expectativa de ver el exterior, veas un reflejo de ti, tus ojos como parte del paisaje y parte de ese exterior.

    “El espacio no es solo donde las cosas pasan, las cosas hacen que pase el espacio”[4] el espacio ya no funciona como parte de la cotidianidad si no como un lugar donde puede surgir algo más que no implique lo cotidiano. Por otro lado el ojo del espectador es dirigido para percibir. En el texto de “El ojo y el espectador” , el autor considera que  el ojo  tiene problemas con el contenido ya que es la última cosa que el ojo quiere ver,  el espectador vera dos capas de realidad, la primera es el paisaje urbano, la segunda capa es la del acrílico que permite que este paisaje sea modificado y que no se pueda ver tal cual es. El espectador debe ver estas dos capas distinguirlas y unirlas al mismo tiempo, las imágenes son tan sencillas que no presentan mayor problema o complejidad. El observador mira a través y es el ojo el que válida su experiencia.[5]

     La incertidumbre es algo que también está presente en el espectador y que pretendemos que esté presente, antes de y después de ver la caja, este se puede hacer diversas preguntas que devienen del objeto en si, ¿qué se supone que es?, ¿qué es lo que quiere decir?, ¿dónde me debo parar?, ¿puedo asomarme para ver?, pero no será hasta que haga este recorrido y se atreva a ver el interior de los visores que se espera pueda comprender. El espectador recorre y se vuelve activo por que activa la pieza, el objeto es un visor, su función es que la gente vea, si esta no ve a través del visor entonces este no lleva a cabo su función, es por eso que es el espectador quien debe activar la pieza.

     Con la pieza se pretende a su vez generar campos de visión de posible lejanía de equilibrio de la vida  diaria y cotidiana.

      Después de haber tomado el registro y  de haber observado como funciona la obra, el resultado consideramos que fue satisfactorio ya que  la obra en general no esta precisamente pensada para gustar sino para provocar mediante el extrañamiento, la expectativa, el morbo, que el espectador después de ver la pieza se cuestiones sobre su forma, su uso y después de su recorrido  continúe con sus actividades sin mayor conflicto.

      La obra funciona si pasa esto y así fue. El horario fue importante por que es la hora en donde la gente sale de las escuelas, del trabajo, de sus actividades matutinas. En cuanto al lugar también  fue  determinante ya que era una zona de paso, una esquina donde la gente  cruza para acercarse al centro o al centro de convenciones o tomar el camión. En cuanto a los lugares decidimos por dos lugares que hasta cierto punto fueran distintos, uno  con mayor afluencia y otro  con mayor calma, esto con la intención de comprender que pasaba en estos dos lugares, uno funcionó quizá como un elemento de distracción por decirlo de un modo y otro  era más contemplativo ya que la gente que pasaba  podía quedarse mas tiempo observando el paisaje.

    Las ideas pensadas desde un inicio se fueron modificando de acuerdo a nuestras necesidades, intereses y posibilidades.  A continuación  se mostrarán una serie de  fotografías que son parte del registro que muestran tanto el proceso como el momento en donde se presento la acción.

BOCETOS

PROCESO 

Intervención en espacio público
Videos 

http://www.youtube.com/watch?v=-k6OdfjahfY

http://vimeo.com/54510473

 Intervención fotos

Bibliografía

De Certeau, Michel. La invención de lo cotidiano, Artes de hacer. Capitulo IX.

Guy Deboar. Situacionistas internacionales.

El ojo y el espectador.

The nature of time.

Felix Guattari Ghaosmosis: Paradigma ético-estético, 1992.

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[1] La internacional situacionista. 1957-1972.

[2] De Certeau, Michel. La invención de lo cotidiano, Artes de hacer. Capitulo IX.

[3] The nature of time.

[4] El ojo y el espectador.

[5] El ojo y el espectador.

Felix Guattari Chaosmosis: Paradigma Etico-Estético//1992

Chaosmosis: La estética como un nuevo modelo de comportamiento ético opuesto al capitalismo racional. Como un proceso de “convertimiento”; un fluido y parcialmente zona autónoma que trabaja en contra de los límites disciplinarios, y que es inseparable de la integración del campo social. Es una referencia del ensayo de Nicolas Bourriaud Estética Relacional.

Las cartografías artísticas siempre han sido un elemento esencial en todo marco de cada sociedad.

Es fabricada en lo social, de cualquier forma el arte sostiene por si mismo. Y tiene doble finalidad: insertarse en un circulo social que  se lo apropia o lo rechaza, y para celebrar el Universo del arte.

Representa un segmento de la realidad y juega el rol de un anunciador parcial de lo que se percibe del mundo. Es la subjetividad entre el artista y el consumidor. Es la actividad de enmarcar un sentido de ruptura, de proliferación barroca y de un extremo empobrecimiento que solo conduce a la recreación y reinvención del tema mismo.
Reterriorización y resingularización que muestran el curso de la existencia y generan campos de posible “lejanía de equilibrio” de la vida diaria.
El traer a la luz el agotamiento de la banalidad del medio ambiente.
Se puede mover en la misma dirección de la unificación o jugar el rol de operador de bifurcación. Este es el dilema de todos los días de los artistas: “ir con la corriente”.
No está claro como reclamar y sostener una singularidad creativa y potencial social juntos.

La profunda crisis planetaria, el desempleo crónico, la devastación ambiental y la desregularización de modos de valorización.

En la producción de ciencia, tecnología y relaciones sociales deriva a paradigmas estéticos. En el libro de Ilya Prigogine e Isabelle Stengers, evocan a una necesidad de introducir en la física un “elemento narrativo” tan indispensable a una genuina concepción de evolución.
Hoy las sociedades están entre la espada y la pared; para sobrevivir tienen que desarrollar investigación, innovación y creación.

El ojo y el espectador.

 El arte elevado aspiraba la imagen del plano, el vernáculo superado en sí mismo de transgredirlo en un hábitat común. Mientras los impresionistas cerraban la perspectiva tradicional con una cortina de pintura, muchos pintores y fotógrafos en muchos países juegan con la ilusión desde las grotesquerias de Archimboldesque hasta trompe l'oiel.

El momento en el que el collage fue unido a esa ingobernable superficie cubista hubo un instantáneo cambio. Ya no es capaz de precisar un sujeto junto a un espacio tan superficial para ello. El punto de fuga múltiple del cuadro del cubismo analítico se muestra en el cuarto con el espectador. Su punto de vista rebota entre ellos. La superficie de la pintura se hace opaco por el collage. Atrás de esto es una simple pared o un vacío. Por delante es un espacio abierto en donde el sentido del espectador de su propia presencia se convierte en una sombra cada vez más palpable. El espacio impuro en el cual él destaca es radicalmente cambiado.

La estética de la discontinuidad se manifiesta en la alteración del espacio y del tiempo. La autonomía de las partes, la rebelión de los objetos, bolsillos de evitar convertirse en fuerzas generativas de todas las artes. Abstracción y realidad, no realismo-, condujo este argumento rencoroso a lo largo del modernismo. El plano de la imagen, como un exhaustivo country club, mantiene la realidad fuera y por buenas razones.

Ambos abstracción y realidad, sin embargo, están implicados en la dimensión y el espacio del sagrado siglo veinte. La división exclusiva entre ellas ha desdibujado el hecho de que la primera tiene una importancia practica considerable- contrario del mito moderno donde el arte es "inútil". Si el arte tuviera alguna referencia cultural  (además de ser cultura). Seguramente este es la definición de nuestro espacio y tiempo. El flujo de la energía entre conceptos de espacio articulado a través del trabajo de arte y el espacio que ocupamos es uno de los básicos y menos comprendidas fuerzas en el modernismo. El espacio modernista redefine el status del observador , pensadores de su propia imagen. La concepción espacio modernista, no es un tema, puede que el publico lo conciba como una amenaza. Ahora, por supuesto, el espacio no contiene amenazas, no tiene jerarquías. El espacio no es solo donde las cosas pasan, las cosas hacen que pase el espacio.

A medida que avanzamos en torno a ese espacio, mirando las paredes, evitando las cosas del suelo, nos damos cuenta de que la galería contiene un fantasma errante con frecuencia se menciona en los despacho del avant-garde- el espectador.

Quién es el espectador, aparte llamado el observador, o ocasionalmente el que percibe?. No tiene rostro, es sobre todo una vuelta. Es ligeramente torpe. Su actitud inquisitiva y su perplejidad discreta. El- estoy seguro de que es mas masculino que femenino lo que llegó con el modernismo, con la desaparición de la perspectiva.

Él parece nacer fuera de la pintura y, como el perceptivo Adam, se dibuja de forma repetida para contemplarlo. El espectador  parece un poco tonto, el no es tu o yo. Siempre en guardia, se tambalee dentro un lugar se tambalea en su lugar antes de cada nuevo trabajo que requiere su presencia. Esto obliga al sustituto a estar listo para promulgar nuestras especulaciones más elegantes. Pone a prueba con paciencia y no le molesta que le proporcionen las instrucciones y respuestas "el espectador siente…" el observador avisa ", " el espectador se mueve…" el es sensible a los efectos: " El efecto en el espectador es…" el huele las ambigüedades como un sabueso: " atrapado entre estas ambigüedades, el espectador "… El no solo se mantiene y se sienta en el comando él se acuesta, e incluso se arrastra como prensas modernismo en él sus indignidades finales. 

El ojo puede ser dirigido, pero con menos confianza que el espectador, que, a diferencia del ojo, es más bien dispuesto a agradar, el ojo es más sensible a un conocido con quien uno debe permanecer en buenos términos. El ojo discrimina entre ..... el ojo resuelve ... el ojo recibe, balances, pesa, discierne, percibe ....Pero al igual que cualquier pura sangre, tiene sus límites. "a veces el ojo no percibe …"No siempre es predecible, se ha sabido que mentir. Tiene problemas con el contenido, que es la última cosa que el ojo quiere ver. De hecho, es tan especializado puede llegar a ver en sí.

La ciudad ofreció materiales, modelos de proceso, y una estética primitiva de yuxtaposición-congruencia forzado por las necesidades e intenciones mixtas. La ciudad es el marco indispensable del collage y del espacio de la galería. El arte moderno necesita el sonido de tráfico exterior para autenticarse. 

Los happenings fueron el primer en indeterminado, no teatrales espacios, almacenes, fabricas desérticas, tiendas viejas. Los happenings mediado un enfrentamiento de cuidado entre el teatro de avant-garde y collage.

Ellos conciben al espectador como una especia de collage en donde el se extiende a lo largo del interior- su atención se divide por eventos simultáneos, sus sentido se desorganizan redistribuyen por una lógica firmemente transgredida. Se dice muy poco en la mayoría de los happenings pero igual que en la ciudad se presentaron sus temas, ellos literalmente se arrastraban con palabras. Palabras que en efecto, fue el titulo de un entorno con el cual Allan Kaprow adjunta al espectador en 1961. Las palabras contienen nombres circulantes (personas) quienes son invitadas a contribuir con palabras en papeles para adjuntar a las paredes y particiones. El collage parece tener un deseo latente que se turne en si mismo hacia dentro tiene algo womblike en ella.

No importa si es un bar (Kienholz), un cuarto de hospital (Kienholz), una gasolinera (Segal) una habitación (Oldenburg), una sala (Segal) , un estudio "real" (Samaras). El espacio de la galería "comillas" el cuadro y los hace arte, muchas de sus representaciones se volvieron arte dentro del espacio ilusionaría de la imagen tradicional.

Pero el efecto en el espectador que se une a ellos es una infracción. Porque una infracción hace parcialmente visible hacia uno, que minimiza los lenguajes corporales, alienta una convención de silencio y tiende a sustituir el ojo por el espectador. Esto es lo que exactamente pasa en el cuadro de Segal el yeso blanco es una convención de eliminar, que también nos removemos de nosotros mismos.

El ojo y el espectador sentados en diferentes dirección desde el cubismo analítico. El ojo va solo con el budismo sintético ya que retoma el negocio de la redefinición del plano de la imagen. El ojo mira abajo del espectador, el espectador piensa que el ojo esta fuera del contacto de la vida real.

Los ojos necesitan al cuerpo para proverlo de información- el cuerpo se convierte en datos recolectados. Hay un trafico pesado en ambas direcciones en esta carretera de sensores- Entre la sensación conceptializada y el concepto actualizado.   La galería vacía no esta realmente vacía, sus paredes están sensibilizadas por el plano de la imagen, sus espacio preparado por collages.

El arte moderno, en esta y otras áreas, estaba a la cabeza de tiempo. Para el observador- algo que mira a través-  y el ojo valida la experiencia, se unen a nosotros cada vez que entramos en una galería, y la soledad de nuestra deambulación es obligatorio, porque estamos manteniendo un mini-seminario con nuestros sustitutos. Hasta es punto seamos ausentes de nosotros mismos en favor por el ojo y espectador, quien nos reporta que podríamos haber visto si hubiéramos estado allí. 

Reconocen que nuestra identidad es en sí misma una ficción, y nos dan la ilusión de que estamos presentes a través de un doble filo autoconciencia. Objetivamos y consumimos arte.

Los impresionistas fueron los primeros espectadores que tuvieron problemas mirando la imagen. Cuando se hizo un intento para verificar el tema de ir de cerca, que desapareció el espectador se ve obligado a correr de ida y vuelta bits de ti trampa de contenido antes de que se evaporen. La pintura como un objeto pasivo, era emisor de instrucciones.

El espectador se comienza a preguntar "¿Qué se supone que es?", ¿qué es lo que quiere decir? ,¿dónde me debo de parar? por una vez el objeto de escrutinio (el espectador se ve obligado a correr de ida y vuelta bits de ti trampa de contenido antes de que se evapora) se vuelve activo, neutros sentidos se vuelven un ensayo.

Modernismo subraya el hecho de que la identidad en el siglo XX se centra en la percepción.

Una ves que el "activo" de los trabajos de arte son incluidos en el arco perceptivo, los sentidos están en tela de juicio, y como los sentidos aprehender a los datos que confirman la identidad, la identidad se convierte en un problema.

Luego hay un proceso para eliminar el ojo y el espectador así institucionalizarlos, y esto ah ocurrido. Conceptualismo hard-core elimina el yó en favor de la mente. La audiencia lee. El sentido, esto es mas arte o mas como las condiciones que lo sustentan.

Si el conceptualismo elimina el ojo por una vez mas haciéndolo esclavo de la mente, body art, tal como Chris Burden, identificas el espectador con el artista y el artista con el arte,  la santísima trinidad . Eliminando al espectador por identificarlo con el cuerpo del artista promulgando  el ese cuerpo las vicisitudes del arte y el proceso es un extraordinario engreimiento.

the nature of space

The nature of time Resumen

Lovejoy refiere al presente de un individuo, según el pensamiento de una época, plantea que el conocimiento es dialéctico, las ideas se generan en oposición a ideas de otros y son de carácter polémico. Para una idea se necesita puntos de vista contrastantes.

Las ideas de este periodo se originan en torno a tres puntos de vista: si el tiempo es homogéneo ó heterogéneo, atomizado ó un flujo y reversible o irreversible.

EL tiempo fluye de forma uniforme y se puede dividir en partes iguales “El tiempo absolutamente verdadero, por sí mismo y por su naturaleza fluye igualmente sin relación con nada externo”

Kant rechaza esto del tiempo absoluto, dice que el tiempo es subjetivo y universal a la experiencia.

Stanford Flaming en 1886 Somete toda la superficie del planeta para la observación de las comunidades civilizadas y no deja ningún intervalo al tiempo entre los lugares y su distancia, no hay proporción en esto. 

No existía un sistema fijo para el tiempo, y por esto los días en este sistema se confunden en el día y la noche ya que se observa todo al mismo tiempo. Los eventos encajaban en meses diferentes y era importante determinar esto por los efecto políticos, económicos y legales , si esto no era establecido seria un caos. La forma de evitar esto era coordinando la red mundial.

En 1891 todavía esto no sucedía, había lugares donde habían hasta cinco horarios distintos. Las compañías de ferrocarriles fueron las que lograron separar el tiempo en cada región.

Tras varias pruebas del tiempo en una conferencia en 1884 se revinieron varios países y se estableció el horario de Greenwich como meridiano cero, dividen hacía la tierra en zonas horarias , con 24 hrs y a pesar de lo practico la coordinación no llego realmente a completarse, ya  que cada país seguía teniendo su propio horario .

La plantación del tiempo homogéneo y heterogéneo, empezó a ser tema de interés para los novelistas, filósofos, sociólogos y artistas plásticos. Examinaban la forma en que los individuos generaban diferentes momentos y estilos de vida. Oscar Wild en 1890 imagina una discordia en el tiempo con su novela Dorian Gray ya que el cuadro envejece, mientras él personaje principal se mantiene joven. Esto deja de suceder hasta que Dorian rompe el cuadro volviendo todo a la normalidad.

Marcel Proust también juega con el tiempo moviéndolo de forma irregular, fuera de fase en cada uno de sus personajes. Franz Fafka planteó que el tiempo Gregorio Samsa despierta ya en metamorfosis de insecto se estresa por la perdida del tiempo, y empieza también a percibirlo distinto.

En Ulises se habla de un viaje que para una persona son 20 años, pero para otra son solo 16 horas. Joyce Hace recordatorio de que el tiempo es relativo al sistema en el que se mide.

Einstein plantea en su teoría de relatividad dos postulados:

El primero es el de lo relativo especial, diciendo que la velocidad de la luz es la misma para todos los sistemas de referencias, (todos los observadores) Las leyes del movimiento son iguales para los sistemas que se mueven (No hay observadores privilegiados) El tiempo transcurre de forma distinta para dos observadores que se mueven respecto el uno del otro, y el espacio de contrae o se expande dependiendo del movimiento del espectador, por lo que el espacio es relativo según el movimiento. La masa y la energía son dos formas distintas de lo mismo.

EL segundo postulado es el de la relatividad general, en el cual plantea que la fuerza gravitacional esta mal explicada por Newton ya que la masa de un cuerpo es la que curva el espacio y el tiempo. EL tiempo se modifica por la velocidad y por la masa, entre mas masa el tiempos se contrae.

Durkeim plantea que el tiempo es relativo a la sociedad, porque el tiempo se adecua a las costumbres, fechas que cada sociedad se plantea generando ciclos y rituales alrededor de estos.

Gracias a la teoría de la relatividad empieza un movimiento muy fuerte en la psiquiatría y la filosofía, ya que se percatan de las diferentes formas de percibir el tiempo y el espacio, preguntándose, cómo era que los enfermos mentales percibían y vivían en el tiempo. Encontraron con esto diversos mundos temporales en cada uno de los pacientes. Algunos vivían percibiendo el tiempo día con día sin futuro ni pasado.

Para Newton el tiempo era una suma de unidades discretas que transcurrían linealmente, los relojes son una unidad de tiempo que se van sumando.

En el cine empiezan a notar como a partir de varias fotografías se crean secuencias de tiempo, inventándose a sí el fotodinamismo, otorgándoles a las fotografías la cualidad del movimiento. Bragaglia dice que la única manera para poder retratar al  tiempo  es dejando el obturador abierto para que capte la imagen borrosa de un objeto en movimiento, él consideraba que era la única manera para captar la realidad del tiempo.

Los cubistas pretendían añadir la dimensión temporal en sus pinturas con la perspectiva múltiple. Pero el lienzo realmente solo se aprecia en un instante. No lograron captar como el tiempo pasaba ya que cada instante de la percepción sintetiza una secuencia de percepciones numerosas.

Paul Cezanne pintó una naturaleza muerta con un reloj. Hasta Juan Gris no vuelve a haber otra representación de un reloj en una pintura. Gris en su reloj quita el minutero haciendo imposible así leer la hora exacta, el tiempo lo fragmente y lo convierte  en discontinuo y ambiguo.

EN 1913 Gleizes pone un reloj cubista quitándole la mitad de los números, representando también al tiempo fragmentado en el espacio.

Chirico pinta un cuadro donde el tiempo es visible, representa a los ferrocarriles sugiriendo al tiempo en escala mundial y al poner la hora fija en el cuadro, vuelve al tiempo inmutable.

Dali plantea varios relojes donde el tiempo es relativo.

La teoría de que el tiempo es un flujo y no una suma de unidades discretas se vincula con la teoría de que la consciencia humana es una corriente y no un conglomerado de distintas ideas.

La Internacional Situacionista 1957-1972

 

Se constituye por un grupo de filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos que desde diversas perspectivas y con diversas técnicas, plantearon el interrogante sobre el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo de postguerra.

Teóricos que participaron en éste grupo:

    - Guy Debord: “La sociedad del espectáculo”                               

    - Raoul Vanergen: “Tratado del saber vivir para las jóvenes generaciones”.

 Ideas esenciales:

   - La falsedad de la sociedad de consumo.

   - Nuestra sociedad es un puro espectáculo, es decir, apariencia.

Los situacionistas proponen rebelarse contra esta sociedad de la apariencia y    rechazar sus valores establecidos que nos impiden vivir una vida auténtica. Es una lucha contra el consumismo y las seducciones engañosas.

El mensaje central de los situacionistas es que el hombre actual no es un actor sino un mero espectador. En su rol pasivo acepta el sistema social y, en la práctica, reproduce la cultura que lo agobia y se caracteriza por:

   - El trabajo rutinario

   - El desperdicio del tiempo libre

   - La manipulación de los medios                  

  - El arte excluyente y burocrático

   - La cultura estereotipada

   - Los ritos empobrecedores

  -  El conformismo y el aburrimiento

 Los valores de los situacionistas son la interacción social, el diálogo y la renovación del comportamiento.

Consideran que las situaciones más valiosas son aquellas que transforman a los participantes sin posibilidad de retorno, las que niegan el valor de los bienes materiales y culturales de la sociedad actual y las que generan cadenas de eventos que se retroalimentan recíprocamente.

En esta lógica, crear situaciones se convierte en el arte por excelencia.

La materia es el espacio urbano, el conocimiento.

Los situacionistas en sus textos y proclamas abogaban por un urbanismo que fuera más allá de la simple mejora de las infraestructuras urbanas. Lo que los situacionistas pretendían es que a través del urbanismo se detonara la revolución en todos los aspectos de la vida cotidiana, empezando por la abolición del trabajo, y la recuperación del juego y la creatividad como valores inalienables del individuo.

 

Los situacionistas concebían un nuevo modo de habitar: sentirse cómodo en todas las casas. Consideraban el medio urbano como el terreno de un juego participativo.

Dime qué situaciones has vivido y te diré quién eres,

Dime qué situaciones has creado y te diré cuánto has contribuido

Se caracterizaban por denunciar el mercado del arte existente, porque mientras el arte esté mercantilizado y sujeto a determinadas condiciones de producción jamás será la actividad liberadora que pretenden los situacionistas.

Si la obra de arte no tenía una dimensión transformadora, si la obra de arte no tenía por fin último la creación de un mundo nuevo, la obra de arte no era tal.

Gran parte de la crítica situacionista de la sociedad de consumo consiste en mostrar hasta qué punto los artistas contemporáneos, se condenaron en su mayoría a hacer arte como si hiciesen negocios. Los movimientos artísticos no son desde entonces más que ecos imaginarios de una explosión que nunca ocurrió, que amenazó y amenaza todavía las estructuras de la sociedad. La conciencia de semejante abandono, hizo de la I.S. el único movimiento que pudo responder al proyecto del arte auténtico. Somos artistas sólo porque ya no lo somos: venimos a realizar el arte.

René Viénet, intervino varias películas con la técnica del Desvío, esto consistía en coger fragmentos de películas (o películas enteras) y cambiar sus diálogos o banda sonora, para darles un sentido completamente distinto, con el fin de criticar la sociedad de entonces.

LA INVENCION DE LO COTIDIANO, Artes de Hacer. De Michel de Certeau Capitulo IX Relatos de espacio

<<En el Atenas de hoy día, los trasportes colectivos se llaman metaphorai. Para el ir al trabajo o regresar a casa, se toma una “metáfora”, un autobús o un tren. Los relatos podrían llevar también es bello nombre: cada día atraviesan y organizan lugares; los seleccionan y los reúnen al mismo tiempo; hacen con ellos frases e itinerarios. Son recorridos de espacios>>.

“desde este punto usted debe de pasar allá”…Entre muchas de otras cosas, estas nociones solo esbozan con cuanta sutil complejidad los relatos, cotidianos o literarios son nuestros trasportes colectivos, nuestras metáforas.

Todo relato es un relato de viaje, una practica del espacio. Estas aventuras narradas, que de una sola vez producen geografías de acciones y derivan hacia los lugares comunes de un orden, no constituye solamente un suplemento de las emancipaciones peatonales y las retoricas caminantes. No se limitan a desplazarlas y trasladarlas al campo del leguaje. En realidad, organizan los andares. Hacen el viaje, antes o al mismo tiempo que los pies lo ejecutan.

“Espacios” y “Lugares”

Un lugar es el orden(cualquiera que sea) según el cual los elementos se distribuyen en relaciones de coexistencia.

Hay espacio en cuanto que se toma en consideración los vectores de dirección, las cantidades de velocidad y la variable del tiempo. El espacio es un cruzamiento de movilidades. A diferencia del lugar carece pues de la univocidad y de la estabilidad de un sitio propio.

En suma el espacio es un lugar practicado. De esta forma, la calle geométricamente definida por el urbanismo se trasforma en espacio por la intervención de los caminantes.

Los relatos efectúan pues un trabajo que, incesantemente trasforma los lugares en espacios o los espacios en lugares.

Recorridos y Mapas

La descripción oscila entre los términos:

·      Ver: que es el conocimiento en orden de los lugares.

·      Ir: que son las acciones espacializantes.

·      Hay: presentar un cuadro.

·      Organizar movimientos: <<entras, atraviesas, das vuelta, etcétera>>

La cuestión concierne finalmente, con base en estas narraciones cotidianas, a la relación entre el itinerario(una serie discursiva de operaciones) y el mapa(un asentamiento totalizador de observaciones.

Deslindes

En el funcionamiento del tejido urbano y en el pasaje rural, no hay espacialidad que no organice la determinación de fronteras.

La descripción es un acto culturalmente creador, pues es la fundadora del espacio.

Es precisamente el papel básico del relato. Abre un teatro de legitimidad para acciones efectivas. Crea un campo que autoriza practicas sociales.

La región es pues el espacio creado por una interacción.

Delincuencias

Transgrede el espacio

Los deslindes son limites trasportables y trasportes de limites.

Su trabajo distribuidor difería por completo de las divisiones establecidas por los postes, las estacas enraizadas en el suelo, que recortan y componen un orden en los lugares.