El ojo y el espectador.

 El arte elevado aspiraba la imagen del plano, el vernáculo superado en sí mismo de transgredirlo en un hábitat común. Mientras los impresionistas cerraban la perspectiva tradicional con una cortina de pintura, muchos pintores y fotógrafos en muchos países juegan con la ilusión desde las grotesquerias de Archimboldesque hasta trompe l'oiel.

El momento en el que el collage fue unido a esa ingobernable superficie cubista hubo un instantáneo cambio. Ya no es capaz de precisar un sujeto junto a un espacio tan superficial para ello. El punto de fuga múltiple del cuadro del cubismo analítico se muestra en el cuarto con el espectador. Su punto de vista rebota entre ellos. La superficie de la pintura se hace opaco por el collage. Atrás de esto es una simple pared o un vacío. Por delante es un espacio abierto en donde el sentido del espectador de su propia presencia se convierte en una sombra cada vez más palpable. El espacio impuro en el cual él destaca es radicalmente cambiado.

La estética de la discontinuidad se manifiesta en la alteración del espacio y del tiempo. La autonomía de las partes, la rebelión de los objetos, bolsillos de evitar convertirse en fuerzas generativas de todas las artes. Abstracción y realidad, no realismo-, condujo este argumento rencoroso a lo largo del modernismo. El plano de la imagen, como un exhaustivo country club, mantiene la realidad fuera y por buenas razones.

Ambos abstracción y realidad, sin embargo, están implicados en la dimensión y el espacio del sagrado siglo veinte. La división exclusiva entre ellas ha desdibujado el hecho de que la primera tiene una importancia practica considerable- contrario del mito moderno donde el arte es "inútil". Si el arte tuviera alguna referencia cultural  (además de ser cultura). Seguramente este es la definición de nuestro espacio y tiempo. El flujo de la energía entre conceptos de espacio articulado a través del trabajo de arte y el espacio que ocupamos es uno de los básicos y menos comprendidas fuerzas en el modernismo. El espacio modernista redefine el status del observador , pensadores de su propia imagen. La concepción espacio modernista, no es un tema, puede que el publico lo conciba como una amenaza. Ahora, por supuesto, el espacio no contiene amenazas, no tiene jerarquías. El espacio no es solo donde las cosas pasan, las cosas hacen que pase el espacio.

A medida que avanzamos en torno a ese espacio, mirando las paredes, evitando las cosas del suelo, nos damos cuenta de que la galería contiene un fantasma errante con frecuencia se menciona en los despacho del avant-garde- el espectador.

Quién es el espectador, aparte llamado el observador, o ocasionalmente el que percibe?. No tiene rostro, es sobre todo una vuelta. Es ligeramente torpe. Su actitud inquisitiva y su perplejidad discreta. El- estoy seguro de que es mas masculino que femenino lo que llegó con el modernismo, con la desaparición de la perspectiva.

Él parece nacer fuera de la pintura y, como el perceptivo Adam, se dibuja de forma repetida para contemplarlo. El espectador  parece un poco tonto, el no es tu o yo. Siempre en guardia, se tambalee dentro un lugar se tambalea en su lugar antes de cada nuevo trabajo que requiere su presencia. Esto obliga al sustituto a estar listo para promulgar nuestras especulaciones más elegantes. Pone a prueba con paciencia y no le molesta que le proporcionen las instrucciones y respuestas "el espectador siente…" el observador avisa ", " el espectador se mueve…" el es sensible a los efectos: " El efecto en el espectador es…" el huele las ambigüedades como un sabueso: " atrapado entre estas ambigüedades, el espectador "… El no solo se mantiene y se sienta en el comando él se acuesta, e incluso se arrastra como prensas modernismo en él sus indignidades finales. 

El ojo puede ser dirigido, pero con menos confianza que el espectador, que, a diferencia del ojo, es más bien dispuesto a agradar, el ojo es más sensible a un conocido con quien uno debe permanecer en buenos términos. El ojo discrimina entre ..... el ojo resuelve ... el ojo recibe, balances, pesa, discierne, percibe ....Pero al igual que cualquier pura sangre, tiene sus límites. "a veces el ojo no percibe …"No siempre es predecible, se ha sabido que mentir. Tiene problemas con el contenido, que es la última cosa que el ojo quiere ver. De hecho, es tan especializado puede llegar a ver en sí.

La ciudad ofreció materiales, modelos de proceso, y una estética primitiva de yuxtaposición-congruencia forzado por las necesidades e intenciones mixtas. La ciudad es el marco indispensable del collage y del espacio de la galería. El arte moderno necesita el sonido de tráfico exterior para autenticarse. 

Los happenings fueron el primer en indeterminado, no teatrales espacios, almacenes, fabricas desérticas, tiendas viejas. Los happenings mediado un enfrentamiento de cuidado entre el teatro de avant-garde y collage.

Ellos conciben al espectador como una especia de collage en donde el se extiende a lo largo del interior- su atención se divide por eventos simultáneos, sus sentido se desorganizan redistribuyen por una lógica firmemente transgredida. Se dice muy poco en la mayoría de los happenings pero igual que en la ciudad se presentaron sus temas, ellos literalmente se arrastraban con palabras. Palabras que en efecto, fue el titulo de un entorno con el cual Allan Kaprow adjunta al espectador en 1961. Las palabras contienen nombres circulantes (personas) quienes son invitadas a contribuir con palabras en papeles para adjuntar a las paredes y particiones. El collage parece tener un deseo latente que se turne en si mismo hacia dentro tiene algo womblike en ella.

No importa si es un bar (Kienholz), un cuarto de hospital (Kienholz), una gasolinera (Segal) una habitación (Oldenburg), una sala (Segal) , un estudio "real" (Samaras). El espacio de la galería "comillas" el cuadro y los hace arte, muchas de sus representaciones se volvieron arte dentro del espacio ilusionaría de la imagen tradicional.

Pero el efecto en el espectador que se une a ellos es una infracción. Porque una infracción hace parcialmente visible hacia uno, que minimiza los lenguajes corporales, alienta una convención de silencio y tiende a sustituir el ojo por el espectador. Esto es lo que exactamente pasa en el cuadro de Segal el yeso blanco es una convención de eliminar, que también nos removemos de nosotros mismos.

El ojo y el espectador sentados en diferentes dirección desde el cubismo analítico. El ojo va solo con el budismo sintético ya que retoma el negocio de la redefinición del plano de la imagen. El ojo mira abajo del espectador, el espectador piensa que el ojo esta fuera del contacto de la vida real.

Los ojos necesitan al cuerpo para proverlo de información- el cuerpo se convierte en datos recolectados. Hay un trafico pesado en ambas direcciones en esta carretera de sensores- Entre la sensación conceptializada y el concepto actualizado.   La galería vacía no esta realmente vacía, sus paredes están sensibilizadas por el plano de la imagen, sus espacio preparado por collages.

El arte moderno, en esta y otras áreas, estaba a la cabeza de tiempo. Para el observador- algo que mira a través-  y el ojo valida la experiencia, se unen a nosotros cada vez que entramos en una galería, y la soledad de nuestra deambulación es obligatorio, porque estamos manteniendo un mini-seminario con nuestros sustitutos. Hasta es punto seamos ausentes de nosotros mismos en favor por el ojo y espectador, quien nos reporta que podríamos haber visto si hubiéramos estado allí. 

Reconocen que nuestra identidad es en sí misma una ficción, y nos dan la ilusión de que estamos presentes a través de un doble filo autoconciencia. Objetivamos y consumimos arte.

Los impresionistas fueron los primeros espectadores que tuvieron problemas mirando la imagen. Cuando se hizo un intento para verificar el tema de ir de cerca, que desapareció el espectador se ve obligado a correr de ida y vuelta bits de ti trampa de contenido antes de que se evaporen. La pintura como un objeto pasivo, era emisor de instrucciones.

El espectador se comienza a preguntar "¿Qué se supone que es?", ¿qué es lo que quiere decir? ,¿dónde me debo de parar? por una vez el objeto de escrutinio (el espectador se ve obligado a correr de ida y vuelta bits de ti trampa de contenido antes de que se evapora) se vuelve activo, neutros sentidos se vuelven un ensayo.

Modernismo subraya el hecho de que la identidad en el siglo XX se centra en la percepción.

Una ves que el "activo" de los trabajos de arte son incluidos en el arco perceptivo, los sentidos están en tela de juicio, y como los sentidos aprehender a los datos que confirman la identidad, la identidad se convierte en un problema.

Luego hay un proceso para eliminar el ojo y el espectador así institucionalizarlos, y esto ah ocurrido. Conceptualismo hard-core elimina el yó en favor de la mente. La audiencia lee. El sentido, esto es mas arte o mas como las condiciones que lo sustentan.

Si el conceptualismo elimina el ojo por una vez mas haciéndolo esclavo de la mente, body art, tal como Chris Burden, identificas el espectador con el artista y el artista con el arte,  la santísima trinidad . Eliminando al espectador por identificarlo con el cuerpo del artista promulgando  el ese cuerpo las vicisitudes del arte y el proceso es un extraordinario engreimiento.