Glosario.
Moderno.- contexto social,
histórico, artístico de un época determinada.
Axiomas.- es una proposición tan
clara y evidente que se acepta sin necesidad de demostración (RAE).
Igualdad.- Conformidad de algo con otra cosa en naturaleza,
forma, calidad o cantidad (RAE).
Beneplácito.- aprobación, permiso
(RAE).
Intelectualización.- del verbo
intelectualizar, reducir algo a forma o contenido intelectual o racional (RAE).
Vivencia artística.- implica un
hecho de experimentación o reconocimiento de algo y su contenido en tanto que se encuentra relacionado con el
objeto artístico, los sujetos que pueden vivir esta experiencia estética puede
ser tanto el artista como el espectador. Esta vivencia se da en primer momento
con el contacto frente al objeto artístico.
Sagrado.- que es objeto de culto
por su relación con fuerzas
sobrenaturales, de carácter apartado o desconocido (RAE).
Problemática artística.-
conjunto de problemas,
dificultades o cuestionamientos referente a la actividad artística y todo lo
que encierra.
Post festum.- después de los
hechos.
Teología.- estudio y conjunto de
conocimientos acerca de la divinidad.
Dogmas.- proposición que se
asienta por firme y cierta y como principio innegable de una ciencia.
Censura.- nota, corrección o
reprobación de algo (RAE).
Zeitgeist.- término alemán que
significa “el espíritu de los tiempos” , Zeit (“marea”) que significa “tiempo”
y Geist (“fantasma”) que significa “espíritu”.
L´art – pour- lárt.- expresión
francesa que significa “el arte por el arte”.
Pathos.- vocablo griego en
donde según Aristóteles, “pathos”
corresponde a uno de los tres modos de persuasión dentro de la retórica junto
con el “logos” y el “ethos”, el
“pathos” corresponde al uso de los sentimientos humanos. También se refiere a
la pasión o desenfreno pasional.
Mónada.- unidades básicas.
Coincidentia appositorum.-
coincidencia de opuestos.
Volición.- acto de voluntad
(RAE).
Dialéctica.- poner en movimiento
y confrontación algo (el Discurso en el caso de Platón, la Realidad en el caso
de Hegel). Es decir, cuando hallamos opuestos surge un conflicto
inevitable. Es ahí donde surge la dialéctica para poder resolverlos, respetando
y asumiendo a cada uno de los elementos contradictorios.
Dubitación.- duda.
Escéptica.- que no cree.
Epifenómenos.- fenómeno
accesorio que acompaña al fenómeno principal y que no tiene influencia sobre
él.
Historicismo.-
Tendencia intelectual a reducir la realidad humana a su historicidad o
condición histórica.
Engagement.-
compromiso.
Ultima ratio.-
última razón.
Tectónica.-
construcción o estructura.
Escarpia.- Clavo
con cabeza acodillada, que sirve para sujetar bien lo que se cuelga.
Simulacro.- imagen hecha a semejanza de alguien o algo, especialmente
sagrada. Ficción, imitación, falsificación.
Per se.- por sí mismo.
Lábil.- Poco
estable, poco firme en sus resoluciones.
Equivoco.- Que
puede entenderse o interpretarse en varios sentidos, o dar ocasión a juicios
diversos.
Statu nascendi.-
estado naciente.
Dasein.- ser ahí.
Introducción.
I
Lo “moderno” es una de las ideas que el autor pretende
dejar en claro al inicio de su texto, el autor considera que este término no
debe ser entendido como lo novedoso sino al clima y circunstancias sociales en
las que vive el artista de una época determinada. En este período histórico la
actividad artística se encuentra
con nuevas problemáticas relacionadas con la experimentación, la provocación y
la noción de arte se vuelve
ambigua.
II
Después de la Ilustración el arte se vuelve una
actividad política, al servicio del estado y de su sociedad, su función
principal es difundir valores éticos y morales del hombre, según Schiller; el
arte permite mejoras políticas y
ennoblece el carácter del hombre, con esto pareciera que lo bello y lo social
son sinónimos.
La burguesía conservadora del siglo XIX consciente esta
producción artística debido a su identificación con el contenido de la obra que
refleja antes que nada el sentimiento de igualdad. El arte a su ves , según el autor, es cosa de todos y se
vuelve un asunto público. ¿Cómo es esto posible?, gracias al lenguaje, ya que
el lenguaje usado por el arte es
accesible e inteligible por todos,
el artista falla cuando no hay entendimiento entre el observador y la obra.
El arte es meramente racional.
III
¿Pero qué pasa con lo caótico, lo desordenado, lo
ininteligible en el arte? Para Goethe no le es indispensable la relación de
entendimiento entre el espectador y la obra, la única relación
que produce la felicidad es la que puede haber entre el artista y su
obra.
Posteriormente el arte se vuelve ininteligible,
misterioso y por ende problemático y digno de la discusión pública, se cuestiona la misma racionalidad o la
irracionalidad en el arte, este se convierte en un espejo entre el hombre y el
mundo, el escándalo y la
legitimación se vuelven necesarios para su validación y respecto a esta
participación social, es el estado quien debe darle herramientas al pueblo para
poder accesar al arte y al artista y ya no al revés.
IV
Después del romanticismo, el arte, es libre y por ende
se vuelve problemático, ya no
posee mecenas ni se vuelve un objeto decorativo de encargo, esto provoca
una autointerrogación, por parte
del artista y su obra se vuelve cuestionable. En el siglo XVIII se viene un
proceso reflexivo para el arte.
V
El Zeiggest o “espíritu de la época”, determina
los conceptos nuevos referentes al arte y ya no es medido con la misma vara.
Ya no se habla de público sino de observador
contemplativo, el arte se dirige al observador mas que al público.
El comentario se convierte en un recurso
necesario para el arte, su origen es la interrogación del hombre creativo que es este hombre especialista e investigador.
El arte, dice Hoffmann “… es una facultad
otorgada únicamente al hombre, que le posibilita los más diversos tipos de
asimilación y de orientación del mundo…”, el arte es un concepto de compromiso que se vuelve
dinámico y va cambiando en cada
época.
Respecto al objeto de culto, el autor asegura
que este se convierte en objeto de
colección y museo, se convierte en forma artística.
Lo importante en este capitulo es que se le
reconoce al arte como dinámico y que en cada época se encuentra en constante
cambio, sin embargo, esto trae problemas ya que la confusión llega cuando se cree que el arte
tiene fundamentos permanentes (Dvorák), el mismo concepto de arte se
vuelve permanente e invariable lo cual es falso.
VI
El autor señala que durante la Ilustración y el
conservadurismo, el arte es medido con la vara de la razón, el problema central surge cuando el arte no solo es producto de lo racional sino
de lo irracional, tal como lo es el instinto o la capacidad imaginativa que
pueda tener el artista que también se le denomina como volición artística
negativa.
El museo como espacio que expone esas obras solo
presenta la forma de esas obras , es decir, la parte superficial y es ahí donde
el comentario, es ahí donde el comentario cobra fuerza mostrándonos no solo la
parte estética sino los impulsos antiestéticos de la obra de arte.
VII
Estos
impulsos en el arte nos muestran dos líneas de trabajo, la primera va
dirigida hacia lo meramente estético, la otra se deriva de esta liberación del
quehacer artístico, el ámbito de la exclusividad de la obra permitiendo al
quehacer artístico la exploración de
nuevos problemas, el artista ya no crea por encargo y ya no posee
ataduras, sin embargo, se ve envuelto en una serie de criterios dados por el
espectador quien decidirá aceptar o rechazar su obra.
VIII
Para Herder es importante el hecho que no se puede valorar al
arte usando criterios que pertenecen a otras épocas, estos criterios de
valoración se deben ir renovando y estar en constante dinamismo como lo es la
producción artística. Pero estos nuevos criterios no dejan de ser subjetivos ya
que son otorgados por la figura del crítico, no hay criterios definitivos, pero
estos criterios que aunque no son definitivos sirven en muchas ocasiones para
justificar la obra.
IX
Todo lo
referente a la creación artística
se vuelve cuestionable y al ser cuestionable todos los cuestionamientos
deben ser clarificados por necesidad y exigencia intelectual.
El arte necesita de las instituciones como estas
necesitan del arte, la obra de arte se convierte en objeto de exhibición, de
reflexión e interpretación, ante
esto, el artista se ve obligado a entrar en la reflexión.
X
Para el autor la interpretación es recreación,
misma que se da en la obra de arte mediante las palabras que son una forma de
apropiación.
LA PREHISTORIA DEL ARTE MODERNO
Esta segunda parte el autor menciona tres declaraciones de principio que se
dan hacia el año de 1910 y son las
siguientes:
1.- La cosificación de la obra de
arte.
2.- El ideal de lo inmediato
3.- El ideal del equilibrio.
Estas tesis
se consideran una transgresión de los límites del arte y provienen de
Picasso, Kandinsky y Mondrian
La primera que corresponde a la cosificación de
la obra de arte inicia en 1910
con Georges Braque y su
obra que se titula Naturaleza muerta con
un violín y una jarra , esta obra pertenece al cubismo analítico y se
pretende reproducir los objetos distribuidos en distintas capas de la realidad
o distintas zonas de precisión
objetiva.
Más adelante en 1911, esta nueva introducción de
objetos “reales” nos lleva al collage, en donde Picasso nos muestra fragmentos
bidimensionales de objetos reales dentro de su obra, en donde se intentan
acoplar diversas capas de realidad
que según Kahnweiler , los detalles reales nos permiten otra lectura que nos
llevan a la asociación de imágenes con el recuerdo provocando una consciencia
del objeto con lo real y lo formal en la obra permitiendo la asimilación del
objeto artístico.
Esta idea será retomada más adelante por Marcel
Duchamp, quien termina descontextualizando sus objetos. Sin embargo, el collage permite
despojar al objeto de su información objetiva pasando por elementos
lingüístico-formales y sin embargo, siguen siendo concebidas en su unidad de
obra de arte.
Con el collage pareciera surgir la
escultopintura ya que nos encontramos
con figurar planas y
corpóreas, ya no hay homogeneidad material, se suprime el convencionalismo de
la figura plástica y encontramos muchas capas y por lo tanto diversas significaciones.
El segundo principio se refiere
al ideal de lo inmediato, este principio surge con la obra de Kandinsky titulada Primera acuarela abstracta en donde nos
encontramos con una obra bidimensional no figurativa.
La obra, según el autor muestra, versatilidad,
incoherencia, no hay una guía que coordine la obra y facilite su lectura, las
líneas y colores son individualidades, no hay figuras y
encontramos espacios vacíos y trazos que
van hacia distintas direcciones, en las obras encontramos la lábil, lo equívoco y lo incoherente.
Aunque la obra no aparentemente no muestra
coherencia ni relación con el
mundo exterior, esto no significa que sea una obra sin sentido, si bien no
retrata un mundo exterior, si
muestra uno interior del artista, para Kandinsky, es el caos y las catástrofes de donde surge y se
engendra la obra.
Con sus obras, Kandinsky, quiere alejarse de toda forma estilizada,
ornamental y experimental, el reproducir
la forma y la imagen con el mínimo de prejuicios para obtener como resultado
algo informe, irregular y arbitrario.
Según el autor la inocencia del ojo permite reconocer la reproducción imprecisa de la realidad mostrando un grado más
elevado de la espontaneidad y logrando detalles más precisos y objetivos. Tanto
Monet y Ruskin se dejan llevar por esta renuncia de la forma y se apoyan de la espontaneidad.
El tercer y último principio
pertenece al ideal del equilibrio, Mondrian con su Manzano florido, nos muestra una obra en donde el contenido forma
es absorbido por un contenido objetivo en donde se elimina cualquier referencia
a otros objetos. La obra presenta mayor uniformidad, se evita al máximo el ángulo recto y lo lineal
diáfano y fino, no hay contornos, el artista intenta representar la simplificación,
desenredo, sistematización de la imagen. La imagen a representar será la
impresión de la naturaleza de manera un tanto caótica pero armoniosa a su vez.
A diferencia de otros artistas como Durero,
Leonardo, Delacroix y Crane, pretende extraer de lo individual a lo general, a
lo universal, liberar esta forma individual y suprimir por sí misma la
representación de la materia, así la obra se convierte en un objeto de
contemplación.
Para Mondrian, el arte, se encuentra por encima
de toda realidad y por eso no debe subordinarse a esta ni ser medido con la
misma vara de la realidad empírica.
Muy bueno, gracias por tomarte el tiempo de compartir! :D
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