sábado, 1 de septiembre de 2012

Los fundamentos del arte moderno de Warner Hoffmann.




Glosario.
Moderno.- contexto social, histórico, artístico de un época determinada.
Axiomas.- es una proposición tan clara y evidente que se acepta sin necesidad de demostración (RAE).
Igualdad.- Conformidad  de algo con otra cosa en naturaleza, forma, calidad o cantidad (RAE).
Beneplácito.- aprobación, permiso (RAE).
Intelectualización.- del verbo intelectualizar, reducir algo a forma o contenido intelectual o racional (RAE).
Vivencia artística.- implica un hecho de experimentación o reconocimiento de algo  y su contenido en tanto que se encuentra relacionado con el objeto artístico, los sujetos que pueden vivir esta experiencia estética puede ser tanto el artista como el espectador. Esta vivencia se da en primer momento con el contacto frente al objeto artístico.
Sagrado.- que es objeto de culto por su relación  con fuerzas sobrenaturales, de carácter apartado o desconocido (RAE).
Problemática artística.- conjunto  de problemas, dificultades o cuestionamientos referente a la actividad artística y todo lo que encierra.
Post festum.- después de los hechos.
Teología.- estudio y conjunto de conocimientos acerca de la divinidad.
Dogmas.- proposición que se asienta por firme y cierta y como principio innegable de una ciencia.
Censura.- nota, corrección o reprobación de algo (RAE).
Zeitgeist.- término alemán que significa “el espíritu de los tiempos” , Zeit (“marea”) que significa “tiempo” y Geist (“fantasma”) que significa “espíritu”.
L´art – pour- lárt.- expresión francesa que significa “el arte por el arte”.
Pathos.- vocablo griego en donde  según Aristóteles, “pathos” corresponde a uno de los tres modos de persuasión dentro de la retórica junto con el “logos” y  el “ethos”, el “pathos” corresponde al uso de los sentimientos humanos. También se refiere a la pasión o desenfreno pasional.
Mónada.- unidades básicas.
Coincidentia appositorum.- coincidencia de opuestos.
Volición.- acto de voluntad (RAE).
Dialéctica.- poner en movimiento y confrontación algo (el Discurso en el caso de Platón, la Realidad en el caso de Hegel).  Es decir, cuando hallamos opuestos surge un conflicto inevitable. Es ahí donde surge la dialéctica para poder resolverlos, respetando y asumiendo a cada uno de los elementos contradictorios.
Dubitación.- duda.
Escéptica.- que no cree.
Epifenómenos.- fenómeno accesorio que acompaña al fenómeno principal y que no tiene influencia sobre él.
Historicismo.- Tendencia intelectual a reducir la realidad humana a su historicidad o condición histórica.
Engagement.- compromiso.
Ultima ratio.- última razón.
Tectónica.- construcción o estructura.
Escarpia.- Clavo con cabeza acodillada, que sirve para sujetar bien lo que se cuelga.
Simulacro.- imagen hecha a semejanza de alguien o algo, especialmente sagrada. Ficción, imitación, falsificación.

Per se.- por sí mismo.

Lábil.- Poco estable, poco firme en sus resoluciones.
Equivoco.- Que puede entenderse o interpretarse en varios sentidos, o dar ocasión a juicios diversos.
Statu nascendi.- estado naciente.
Dasein.- ser ahí.



Introducción.
I
   Lo “moderno” es una de las ideas que el autor pretende dejar en claro al inicio de su texto, el autor considera que este término no debe ser entendido como lo novedoso sino al clima y circunstancias sociales en las que vive el artista de una época determinada. En este período histórico la actividad artística  se encuentra con nuevas problemáticas relacionadas con la experimentación, la provocación y la noción de arte se  vuelve ambigua.
II
    Después de la Ilustración el arte se vuelve una actividad política, al servicio del estado y de su sociedad, su función principal es difundir valores éticos y morales del hombre, según Schiller; el arte permite mejoras políticas  y ennoblece el carácter del hombre, con esto pareciera que lo bello y lo social son sinónimos.
     La burguesía conservadora  del siglo XIX consciente esta producción artística debido a su identificación con el contenido de la obra que refleja antes que nada el sentimiento de igualdad. El arte a su ves  , según el autor, es cosa de todos y se vuelve un asunto público. ¿Cómo es esto posible?, gracias al lenguaje, ya que el lenguaje usado por el arte  es accesible e inteligible  por todos, el artista falla cuando no hay entendimiento entre el observador y la obra.
    El arte es meramente racional.
III
   ¿Pero qué pasa con lo caótico, lo desordenado, lo ininteligible en el arte? Para Goethe no le es indispensable la relación de entendimiento entre el espectador y la obra, la  única relación  que produce la felicidad es la que puede haber entre el artista y su obra.
   Posteriormente el arte se vuelve ininteligible, misterioso y por ende problemático y digno de la discusión pública,  se cuestiona la misma racionalidad o la irracionalidad en el arte, este se convierte en un espejo entre el hombre y el mundo, el escándalo  y la legitimación se vuelven necesarios para su validación y respecto a esta participación social, es el estado quien debe darle herramientas al pueblo para poder accesar al arte y al artista y ya no al revés.
IV
   Después del romanticismo, el arte, es libre y por ende se vuelve problemático,  ya no posee mecenas ni se vuelve un objeto decorativo de encargo, esto provoca una  autointerrogación, por parte del artista y su obra se vuelve cuestionable. En el siglo XVIII se viene un proceso reflexivo para el arte.
V
    El Zeiggest o “espíritu de la época”, determina los conceptos nuevos referentes al arte y ya no es medido con la misma vara.
    Ya no se habla de público sino de observador contemplativo, el arte se dirige al observador mas que al público.
    El comentario se convierte en un recurso necesario para el arte, su origen es la interrogación del hombre creativo  que es este hombre especialista e investigador.
    El arte, dice Hoffmann “… es una facultad otorgada únicamente al hombre, que le posibilita los más diversos tipos de asimilación y de orientación del mundo…”, el arte  es un concepto de compromiso  que  se vuelve dinámico  y va cambiando en cada época.
    Respecto al objeto de culto, el autor asegura que este se convierte en  objeto de colección y museo, se convierte en forma artística.
    Lo importante en este capitulo es que se le reconoce al arte como dinámico y que en cada época se encuentra en constante cambio, sin embargo, esto trae problemas ya que  la confusión llega cuando  se cree que el arte  tiene fundamentos permanentes (Dvorák), el mismo concepto de arte se vuelve permanente e invariable lo cual es falso.
VI
    El autor señala que durante la Ilustración y el conservadurismo, el arte es medido con la vara de la razón, el problema  central surge cuando el arte  no solo es producto de lo racional sino de lo irracional, tal como lo es el instinto o la capacidad imaginativa que pueda tener el artista que también se le denomina como volición artística negativa.
    El museo como espacio que expone esas obras solo presenta la forma de esas obras , es decir, la parte superficial y es ahí donde el comentario, es ahí donde el comentario cobra fuerza mostrándonos no solo la parte estética sino los impulsos antiestéticos de  la obra de arte.
VII
    Estos  impulsos en el arte nos muestran dos líneas de trabajo, la primera va dirigida hacia lo meramente estético, la otra se deriva de esta liberación del quehacer artístico, el ámbito de la exclusividad de la obra permitiendo al quehacer artístico la exploración de  nuevos problemas, el artista ya no crea por encargo y ya no posee ataduras, sin embargo, se ve envuelto en una serie de criterios dados por el espectador quien decidirá aceptar o rechazar su obra.
VIII
    Para Herder es importante  el hecho que no se puede valorar al arte usando criterios que pertenecen a otras épocas, estos criterios de valoración se deben ir renovando y estar en constante dinamismo como lo es la producción artística. Pero estos nuevos criterios no dejan de ser subjetivos ya que son otorgados por la figura del crítico, no hay criterios definitivos, pero estos criterios que aunque no son definitivos sirven en muchas ocasiones para justificar la obra.

IX
    Todo lo referente a la creación artística  se vuelve cuestionable y al ser cuestionable todos los cuestionamientos deben ser clarificados por necesidad y exigencia intelectual.
    El arte necesita de las instituciones como estas necesitan del arte, la obra de arte se convierte en objeto de exhibición, de reflexión e interpretación, ante  esto, el artista se ve obligado a entrar en la reflexión.
X
    Para el autor la interpretación es recreación, misma que se da en la obra de arte mediante las palabras que son una forma de apropiación.

LA PREHISTORIA DEL ARTE MODERNO
   Esta segunda parte  el autor menciona tres declaraciones de principio que se dan  hacia el año de 1910 y son las siguientes:
1.- La cosificación de la obra de arte.
2.- El ideal de lo inmediato
3.- El ideal del equilibrio.
   Estas tesis  se consideran una transgresión de los límites del arte y provienen de Picasso, Kandinsky y Mondrian
   La primera que corresponde  a la cosificación de la obra de arte inicia en 1910  con  Georges Braque y su obra que se titula Naturaleza muerta con un violín y una jarra , esta obra pertenece al cubismo analítico y se pretende reproducir los objetos distribuidos en distintas capas de la realidad o distintas zonas de  precisión objetiva.
   
   Más adelante en 1911, esta nueva introducción de objetos “reales” nos lleva al collage, en donde Picasso nos muestra fragmentos bidimensionales de objetos reales dentro de su obra, en donde se intentan acoplar  diversas capas de realidad que según Kahnweiler , los detalles reales nos permiten otra lectura que nos llevan a la asociación de imágenes con el recuerdo provocando una consciencia del objeto con lo real y lo formal en la obra permitiendo la asimilación del objeto artístico.
    Esta idea será retomada más adelante por Marcel Duchamp, quien termina descontextualizando sus objetos.  Sin embargo, el collage permite despojar al objeto de su información objetiva pasando por elementos lingüístico-formales y sin embargo, siguen siendo concebidas en su unidad de obra de arte.
    Con el collage pareciera surgir la escultopintura ya que nos encontramos  con  figurar planas y corpóreas, ya no hay homogeneidad material, se suprime el convencionalismo de la figura plástica y encontramos muchas capas  y por lo tanto diversas significaciones.
 

 















   El segundo principio se refiere al ideal de lo inmediato,  este principio surge  con la obra de Kandinsky titulada Primera acuarela abstracta en donde nos encontramos con una obra bidimensional no figurativa.
    La obra, según el autor muestra, versatilidad, incoherencia, no hay una guía que coordine la obra y facilite su lectura, las líneas y colores son individualidades, no hay  figuras  y encontramos espacios vacíos y trazos que  van hacia distintas direcciones, en las obras  encontramos la lábil, lo equívoco y lo incoherente.
     Aunque la obra no aparentemente no muestra coherencia ni relación con el  mundo exterior, esto no significa que sea una obra sin sentido, si bien no retrata un mundo exterior,  si muestra uno interior del artista, para Kandinsky, es el caos y las  catástrofes de donde surge y se engendra la obra.
     Con sus obras, Kandinsky, quiere  alejarse de toda forma estilizada, ornamental y experimental,  el reproducir la forma y la imagen con el mínimo de prejuicios para obtener como resultado algo informe, irregular y arbitrario.
    Según el autor la inocencia del ojo permite  reconocer la  reproducción imprecisa de la realidad mostrando un grado más elevado de la espontaneidad y logrando detalles más precisos y objetivos. Tanto Monet y Ruskin se dejan llevar por esta renuncia de la forma y se  apoyan de la espontaneidad.



   El tercer y último principio pertenece al ideal del equilibrio, Mondrian con su Manzano florido, nos muestra una obra en donde el contenido forma es absorbido por un contenido objetivo en donde se elimina cualquier referencia a otros objetos. La obra presenta mayor uniformidad, se evita  al máximo el ángulo recto y lo lineal diáfano y fino, no hay contornos, el artista intenta representar la simplificación, desenredo, sistematización de la imagen. La imagen a representar será la impresión de la naturaleza de manera un tanto caótica pero armoniosa a su vez.
    A diferencia de otros artistas como Durero, Leonardo, Delacroix y Crane, pretende extraer de lo individual a lo general, a lo universal, liberar esta forma individual y suprimir por sí misma la representación de la materia, así la obra se convierte en un objeto de contemplación.
    Para Mondrian, el arte, se encuentra por encima de toda realidad y por eso no debe subordinarse a esta ni ser medido con la misma vara de la realidad empírica.

 

 



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